当我们看到舞台上音乐家的投入表演时，为美妙的音乐打动，为精湛的技巧而赞叹，同时我们还看到音乐家摇曳的肢体，和音乐一起晃动的身肢，觉得非常的自然、投入和有艺术感。我们看到的都是艺术家的身体美感表达，一切和音乐贴合在一起都是那么的自然。
不知从什么时候起，身体有摆动、身体跟随音乐晃动，已经成为音乐感觉良好的一种标签，特别体现在很多教师的课堂上，有的老师，甚至把它强调为是第一位的，很多浮夸的表现、浮夸的表情教学，层出不穷，我想很多学生和家长错误地理解了身体的律动在音乐中的作用，很多老师错误的引导了方向，接下来也是我今天要说的重点：，不是为了表演，不是为了观众赏心悦目的观看，更不应该成为超越音乐本身的浮夸！
结合我昨天在学校里的讲座，和大家分享今天的这一话题，音乐演奏中的身体律动究竟应该是怎样的。
我们所有的乐器演奏作品，都是建立在句子结构上的，通过小节组合成乐句线条，通过乐句线条组合成乐段，音乐的表达，犹如吟诗或歌唱，通过轻重缓急的处理表达情感、传递情绪和展现美感。那么如同说话一样，句子之间需要呼吸，句子的起伏需要呼吸带动，所以，所有在音乐演奏中的句子和美感处理，都是在的框架之内的，所有的动作可能是为了充分地吸气或充分的呼气。所以我说，首先我们音乐的律动要参照呼吸。
当我们或弹拔、或吹奏、或敲击来完成音乐的表达时，都需要一个点来触发我们的音乐思想和美感的表达，完成第一步将我们想要表达的作品的音乐律动，与我们的身体呼吸保持一致，将我们的呼吸、提沉、吐纳这样的身体意识，与乐句线条完成结合性想象，当这些都能够自然的感受和表现后，开始我们的演奏，在昨天的课堂上我这样启发孩子，“我们所有的肢体动作，从腰部起发力，提气到肩，沉气到肘，通过手臂手腕，我们全身的力量和肌内集中度都在我们的指尖上，哪怕只有一个简单的音符，我们用这样的感受和投入度去完成，把一个简单的乐句与呼吸结合，配合轻重缓急的调配，那么我们的演奏自然就会充满生命力，因为它集中了你的思想和美感投入。这就是我第二个要说的重点，音乐的身体律动，是为了调动全身所有力量，增加投入感，从内发到外，又从外集中到乐器上触发声音，又通过声音的变化连接带来听觉的美感和感受。
想到讲这样内容的课，和写这样的文章，一方面觉得我们很多学生、很多音乐爱好者，学习乐器演奏只考虑了技法的操作和训练，忽略了声音本身的细节和演奏的艺术感，我们不能做演奏乐器的机器，没有投入感和身体融入性的演奏是空洞没有生命的；另一方面，也是经常看到一些教师和学生，在教学过程中，过于注重身体律动的启发，或者说是脱离音乐本身的身体律动启发，更有甚者，滑稽浮夸的动作层次不穷，比如架子鼓演奏中的“鼓棒操”、古筝演奏时的“摇晃舞”，并不是不能有相应的肢体辅助，但这些都脱离了音乐肢体律动的本质，音乐体感训练，不是舞蹈训练，演奏时的肢体辅助是为了帮助演奏，而不是浮夸的视觉表演。现在全民接受音乐的学习，老师太多、大师也太多，有时看到很多朋友对于音乐以外的视觉表演赞不绝口，身感作为音乐教育者任重道远。
今天和大家分享的，欢迎朋友们交流探讨，文字的表达有限，文字的阅读条件有限，祝每一位朋友，都能够从音乐中得到快乐，从音乐学习中得到收获。
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